movimiento coral en Venezuela

Publicado: 28 junio, 2014 en Sin categoría

Movimiento Coral Actual en Venezuela

 

A mediados de 1968 fue un gran acontecimiento para el movimiento coral y musical del país la formación de la ‘Coral Filarmónica de Caracas’ . Fue el Maestro Gonzalo Castellanos Yumar, director titular entonces de la Orquesta Sinfónica de Venezuela, quien impulsó el montaje de obras sinfónico corales reuniendo a varias agrupaciones como la ‘Coral UCAB’, el ‘Orfeón de la UCV’ y la ‘Schola Cantorum de Caracas’ para conformar este primer coro sinfónico. Igualmente el Maestro Angel Sauce con la ‘Coral Venezuela’ y alumnos de los conservatorios de música, realizó importantes conciertos sinfónico corales.

 

Con la finalidad de impulsar la creación de nuevos coros y de asesorar y ayudar a los directores de coros, coralistas y todas las personas y entidades interesadas en las actividades coralísticas, se creó en 1972 la Fundación Movimiento Coral Cantemos, y en 1974 dos fundaciones más la Fundación Schola Cantorum de Caracas (de Venezuela en 2007y la Fundación Vinicio Adames, las cuales han contribuído de manera efectiva al fortalecimiento del movimiento coral venezolano. En 1975 se creó la Sociedad Civil Orquesta Nacional Juvenil ‘Juan José Landaeta’, la cual se transformó en la ‘Fundación del Estado para las Orquestas y Coros Nacionales e Infantiles de Venezuela’ (FESNOJIV) en 1979. Adscrita actualmente al Ministerio de la Secretaría de la Presidencia de la República, constituye la red más amplia en materia de formación musical en el país y tiene presencia en todos los estados. En la actualidad existen 180 Núcleos y reúne a más de 350 mil niños y jóvenes a nivel nacional.

 

En este período, en materia coral, no hay duda que la institución que ha impulsado con mayor fuerza y visión esta actividad en Venezuela ha sido la Fundación Schola Cantorum de Venezuela. La fundación ha incursionado en diferentes campos a través de sus áreas de desempeño:

 

  • Docencia (Programa Construir Cantando)
  • Difusión e investigación (Coros de la Fundación y Archivo Musical)
  • Schola Cantorum de Venezuela
  • Cantoría Alberto Grau
  • Schola Juvenil de Venezuela

 

 

Dentro del ámbito de la Fundación Schola Cantorum de Venezuela se creó en 1976 la Cantoría Alberto Grau, dirigida por María Guinand y Luimar Arismendi, primer coro de voces femeninas en el país con una importante trayectoria nacional e internacional, el cual ha constituído un paradigma para la formación de otras agrupaciones similares como Aequalis Aurea dirigida por Ana María Raga, Ludus Vocaliter dirigida por Lourdes Sánchez, Canticum Merú dirigida por Irma Iorio, entre otras. La Cantoría Alberto Grau ha participado en los más prestigiosos festivales y concursos internacionales europeos. Por su destacada presentación en el “Festival Coral Internacional Neuchâtel” (Suiza 1989), obtuvo el Primer Premio en la categoría Voces Femeninas y el Gran Premio del Jurado “Novum Castellum”. En el mismo año se presentó en el “XXXVII Concurso Polifónico Internacional Guido D’Arezzo” (Italia), donde ganó 6 Premios. Con todas estas distinciones, la Cantoría logró un hecho sin precedentes en la historia de la música coral en Venezuela.

 

Schola Cantorum de Caracas

En el año de 1967, por iniciativa de un grupo de profesores y estudiantes de música, nace la SCHOLA CANTORUM DE CARACAS, agrupación de voces mixtas que, estimulada con un sincero deseo de profundizar dentro del arte coral, va consolidando un equipo artístico y humano merecedor de los más altos reconocimientos y galardones internacionales.

Con el entusiasmo y la claridad propias de la juventud, vinculados por el amor a la música y en conexión con la época histórica que les tocó vivir, su presencia y su fuerza se basa no sólo en un repertorio estudiado y cuidadosamente seleccionado, sino en la imagen fresca que proyectan, la innovación en la interpretación de formas musicales tradicionales, el cultivo de la música contemporánea, sus presentaciones ante las exigentes audiencias de Europa y Estados Unidos y el otorgamiento del Premio Nacional de Música en 1969 a su Director y fundador, Alberto Grau.

 

Conscientes de la necesidad de construir una gran familia coral en todo el país, en 1973 surge el MOVIMIENTO CORAL CANTEMOS, a objeto de estimular, promover, apoyar y desarrollar la práctica coral mediante la coordinación de festivales, talleres de formación para directores y encuentros corales, cuya programación se extiende todo el año. El Movimiento Coral Cantemos surge para promover los cantos comunes y estrechar lazos de hermandad coral.

 

Ese mismo año se funda la CÁTEDRA DE DIRECCIÓN CORAL, con el fin de preparar la futura generación de músicos que se dedicarán a esta disciplina y que serán la garantía del crecimiento de la gran familia coral. Esta labor pedagógica se irá ampliando y consolidando con el tiempo, hasta transformarse en un área fundamental dentro de sus actividades ordinarias, incentivando además la creación de otros organismos. Esta cátedra comienza a funcionar en la Escuela de Música Juan Manuel Olivares, convirtiéndose en 1974 en Escuela de Canto Coral, que en 1979 se integra al Conservatorio de la Orquesta Nacional Juvenil como Cátedra de Canto Coral; en 1985 sirve de base a la Licenciatura en Música, mención Dirección Coral, del Instituto Universitario de Estudios Musicales (IUDEM) (hoy UNEARTE) y en 1996, a la Maestría en Dirección Coral de la Universidad Simón Bolívar

 

En 1974, gracias a la relevancia que tiene para Venezuela el éxito obtenido por la Schola Cantorum de Caracas en el XXII Concurso Polifónico Internacional “Guido D’Arezzo, surge la FUNDACIÓN SCHOLA CANTORUM DE CARACAS ( hoyFUNDACIÓN SCHOLA CANTORUM DE VENEZUELA), destinada a impulsar el movimiento coral en todos los rincones de Venezuela y mostrar orgullosa al mundo el avance obtenido en aras de procurar la integración de los pueblos en busca de la paz y la convivencia. Sus principales objetivos  son promover, desarrollar y estimular el movimiento coral venezolano y difundir el arte musical del país a través del canto coral. A esta Fundación se adscriben el Movimiento Coral Cantemos y la Cátedra de Canto Coral, ahora transformada en Escuela de Canto Coral, y en poco tiempo, la Fundación Schola se consolida como la institución más importante en el ámbito de la música coral en el país.

 

Se crea en diciembre del año 1976 en el seno de la Fundación como una agrupación de voces mixtas, con el fin de estudiar, cultivar, interpretar y difundir la música latinoamericana de todos los tiempos. En 1981, se transforma en un coro de voces femeninas con el propósito específico de difundir en Venezuela el repertorio universal para voces iguales, poco conocido hasta entonces, y rescatar el repertorio de madrigales y canciones venezolanas compuesto para este tipo de agrupación. En poco tiempo la Cantoría Alberto Grau se transforma en uno de los coros artísticamente más prolíficos del país, así como de mayor reconocimiento a nivel mundial.

Paralelo al crecimiento de la Fundación Schola Cantorum, otras importantes instituciones corales venezolanas van consolidándose, surgen nuevos directores y compositores (productos de la Escuela de Canto Coral, en su mayoría). Se hace necesario preservar la historia muscial que se va construyendo y es así como nace, en 1978,  el ARCHIVO MUSICAL de la Fundación Schola, con el objeto de recopilar, organizar y poner a disposición del público, la mayor cantidad y diversidad posible del repertorio coral nacional e internacional de todas las épocas, contenido tanto en partituras como en grabaciones.

Originalmente alimentado con las obras montadas por los coros de la Fundación, ha ido desarrollándose y adaptándose a las crecientes demandas de sus usuarios y a los avances tecnológicos, para convertirse en el más completo del país y convirtiendo a Venezuela en el primer país afiliado a la red Música Internacional, una gran base de datos creada por la Federación internacional para la Música Coral,  y destinada a recopilar y organizar el repertorio coral mundial. La Fundación Schola asumió la responsabilidad de alimentar esta base de datos con títulos venezolanos y latinoamericanos, constituyéndose así, en elemento difusor de la producción musical de este continente.

En 1982 se funda la Federación Internacional para la Música Coral (FIMC) de la cual la Fundación es miembro fundador, con el propósito de facilitar la comunicación y el intercambio entre los músicos corales de todo el mundo. Desde 1987, Venezuela detenta la Vicepresidencia de la Federación por Latinoamérica, primero en la persona de Alberto Grau (1987-1995) y desde 1996 hasta 2002 en la de María Guinand. Desde, 2009, Cristian Grases, discipulo del maestro Grau forma parte del directorio de esta instancia, garantizando la presencia venezolana en este foro.

En 1990, por iniciativa de Alberto Grau desde la Vicepresidencia de la FIMC, comienza a celebrarse en los cinco continentes el Día Internacional del Canto Coral, siendo su objetivo fundamental un llamado a la paz, la fraternidad y el respeto a la Tierra, a través de la música y el canto.


En 1988 la Fundación amplía su red pedagógica con la creación del Taller Coral Pequeños Cantores de la Schola, con el objetivo de preparar musicalmente a niños con edades comprendidas entre los 3 y los 17 años. Allá los niños aprenden las nociones y conocimientos musicales a través del canto coral, en actividades productivas con aprovechamiento efectivo del tiempo libre. Este proyecto garantiza una enseñanza musical continua hasta la adultez, asegurando la preparación temprana de los futuros coralistas, directores, arreglistas y amantes de la música. Los profesores y asistentes pertenecen en su mayoría a las filas de la Schola Cantorum de Caracas y la Cantoría Alberto Grau, quienes empeñan su mejor esfuerzo en esta labor.

 

ACADEMIA BACH DE VENEZUELA

En 1993 se instala oficialmente la Academia Bach de Venezuela, con el apoyo de la Fundación Schola Cantorum y la Fundación del Estado para las Orquestas Nacionales Juveniles e Infantiles de Venezuela, CONAC y Fundaciones privadas, producto del inicio de relaciones con la Internationale Bachakademie de Stuttgart bajo la dirección del maestro Helmuth Rilling. El propósito es la formación de músicos, cantantes y directores en torno a la interpretación de la música de distintas épocas. Como parte adicional,  cuatro coralistas y directores sobresalientes representan a Venezuela en las jornadas anuales del proyecto orquesta y coro de la Academia Internacional, que se realizan en diferentes ciudades europeas.

En el año 2003, la Corporación Andina de Fomento, dentro del marco de su programa titulado “Plan Musical Juvenil e Infantil Andino”, bajo la Tutoría del Doctor Abreu, y mediante estrecha asociación institucional con la Federación Internacional para la Música Coral, la Fundación Schola Cantorum de Caracas y la Fundación Movimiento Coral Cantemos acordó la implementación del Proyecto “Voces Andinas a Coro” (VAC), con el fin de consolidar el movimiento coral de los países miembros. La creación de esta nueva plataforma musical en la región, impulsará con gran fuerza el crecimiento y la consolidación del movimiento coral en los países andinos, permitiendo a un mayor número de niños y jóvenes ser parte activa del mundo coral y recibir los beneficios de este maravilloso arte. Igualmente, estimulará a jóvenes músicos a dedicarse al estudio y la práctica de la dirección coral, lo cual permitirá expandir el canto coral con más fuerza y ahínco en cada uno de los países de la región.

Ya habiendo transcurrido una década del nuevo siglo, el reto de la Fundación Schola es sostener y continuar desarrollando al movimiento coral, no sólo como proceso de desarrollo socio-cultural ejemplar a nivel latinoamericano, sino como un importante elemento en la calidad de vida de los seres humanos.

 

EN OTRAS CIUDADES DE VENEZUELA SE HAN ESTABLECIDO FUNDACIONES E INSTITUCIONES CORALES que realizan una intensa actividad  y esfuerzo para sembrar el canto coral en todos los rincones del país. La más destacadas son la ‘Fundación Cantoría de Mérida’ fundada en 1975 por Rubén Rivas, y dirigida por José Geraldo Arrieche. Es una de las agrupaciones corales de la provincia venezolana con mayor trayectoria y reconocimientos a nivel nacional e internacional.

En la actualidad, bajo el patrocinio de la Fundación para el Desarrollo de la Cultura del Estado Mérida (Fundecem) está creando la red de Cantorías del Estado, que hará posible la formación de agrupaciones corales infantiles, juveniles y adultas en todos y cada uno de los 23 municipios del estado de Mérida. Participa desde 1991 activamente en los montajes sinfónicos corales tanto en la ciudad de Mérida como en la capital de la República.

 

La ‘Asociación Civil Canticum Merú’, fundada en Ciudad Guayana en 1999, por Irma Iorio, es  un coro femenino que impulsa la actividad en la región a través del Festival de Voces Iguales que organiza cada tres años.

 

Dos importantes Festivales Internacionales de Coros se realizan en la Isla de Margarita bianualmente, organizados por la ‘Fundación Julio Villarroel’ dirigida por Julio Villarroel ‘Fundación D’Canto’ dirigida por Angel Marino Ramírez. Estos encuentros se han constituídos en los eventos corales más importantes del país en los últimos años. Igualmente, la ‘Fundación Gaudeamus’ dirigida por Guntars Gedulis organiza talleres y eventos corales en la capital.

 

  TODAS LAS UNIVERSIDADES DEL PAÍS POSEEN UN ORFEÓN O CORAL. La más antigua institución coral, con 66 años de vida es el ‘Orfeón Universitario de la UCV’, fundado por Antonio Estévez en 1942 teniendo como modelo el Orfeón Lamas. A partir de 1952 estuvo dirigido por Vinicio Adames un luchador infatigable para alcanzar metas más altas, quien llevó a esta agrupación a importantes escenarios internacionales. .

 

La Universidad Simón Bolívar se sumó desde su inicio al canto coral a través de la creación en 1970 de la Coral Universitaria dirigida por Alberto Grau y de la Cantoría Universitaria en 1976, dirigida por María Guinand. Ambas se fundieron en el ‘Orfeón de la Universidad Simón Bolívar’ en el año 1982. Estas agrupaciones contribuyeron a impulsar desde el seno de la USB la formación de programas musicales académicos, cuyo mayor exponente hoy en día es la Maestría en Música. La excelencia del canto coral en la USB ha sido reconocida en sus múltiples giras internacionales  y en los tres primeros premios obtenidos en la Olimpíadas Corales en Linz, Austria en el año 2000. Actualmente los directores son Pedro Silva y Víctor González, ambos egresados de la Cátedra de Dirección Coral. Con el impulso del canto coral universitario, surgió hace siete años, la ‘Coral Ave Fénix’, bajo la dirección del Maestro Alberto Grau e integrada por todos los fundadores de la primera Coral USB. Esta nueva agrupación, llena de vitalidad y entusiasmo es un importante paradigma para el movimiento coral venezolano.

 

Otras agrupaciones corales universitarias muy destacadas en el país son la Coral UCAB fundada por el Maestro Orlando Sandoval, la Coral de la ULA dirigida por José Geraldo Arrieche, la Coral de la Universidad del Táchira dirigida por Rubén Rivas y la Coral de la Universidad de Oriente dirigida por Rafael Silveira.

 

OTRO IMPORTANTE BASTIÓN MUSICAL Y CORAL DENTRO DEL ÁMBITO EDUCATIVO ha sido el ‘Colegio Emil Friedman’ de Caracas, el cual constituye un modelo único de integración educativa, donde la música forma parte del curriculum de los estudiantes. Otro ejemplo del trabajo integrado en la Escuela lo constituye la agrupación ‘Niños Cantores de Villa de Cura’ fundada hace 30 años por Salvador Rodrigo y los ‘Niños Cantores de Lara’ fundada por Carmen Alvarado. Aún hay un gran trecho por recorrer para lograr que en la escuela primara y secundaria de todo el país se funden coros como parte integral de la educación de nuestros jóvenes.

 

SON NUMEROSAS LAS ENTIDADES PÚBLICAS Y PRIVADAS QUE ESTIMULAN LA ACTIVIDAD CORAL, COMO UN MEDIO DE ACERCAMIENTO ENTRE SUS TRABAJADORES Y EMPLEADOS. Dentro de esta categoría podemos mencionar al ‘Movimiento Coral de las Empresas Polar’, que desde hace 18 años impulsa el canto coral en todas sus filiales, reuniendo hoy en día a 9 agrupaciones de adultos y 3 de niños, quienes cada año se encuentran en un emotivo Festival de Navidad en la sede principal en Caracas. Igualmente, es emblemática la ‘Coral del Banco Mercantil’ dirigida por María Adela Alvarado, quienes realizan constantemente grabaciones y estrenos de obras de autores venezolanos. Dentro del sector público la red más activa la constituyen los coros del ‘SENIAT’.

 

LOS CLUBES SOCIALES SON TAMBIÉN UN LUGAR PROPICIO PARA EL CANTO CORAL, y cada año se reúnen alrededor de 12 de ellos en un gran Festival Interclubes para compartir y celebrar a través de la voz.

 

OTRAS INSTITUCIONES PIONERAS Y DE GRAN TRAYECTORIA, CONSITUÍDAS EN ASOCIACIONES CIVILES SON el ‘Polifónico Rafael Suárez’, fundado por María Colón  en 1974. Fue concebido originalmente en el ánimo de interpretar música folklórica venezolana pero a lo largo de sus trayectoria ha interpretado obras de diversos estilos y ha sido merecedor de importantes premios internacionales. La infatigable y ejemplar labor de María Colón, como educadora y forjadora de juventudes y talentos, comenzó por sus propios hijos,  quienes hoy en día se destacan en la actividad musical como directores, solistas y maestros. La ‘Coral Falcón’, fundada por José Maiolino en 1963 es la institución más antigua de la provincia y su repertorio ha estado fundamentalmente dedicado a la música de los compositores venezolanos de la época colonial y a obras universales del clásico. La acción de esta agrupación en su ciudad natal, Coro, ha impulsado el trabajo orquestal y coral con gran fuerza.

 

La ‘Agrupación Coral Polifonía’ fundada en 1959 por Nazyl Báez Finol, mantiene la trayectoria del desaparecido Orfeón Mariantonioa Frías, de interpretar las obras sacras de los compositores venezolanos, particularmente de la época colonial y de la primera parte del sigl XX. El Teatro Teresa Carreño, en Caracas, cuenta con el ‘Coro de la Opera de TTC’, agrupación formada por profesionales de la música interesados en este género.

 

En los últimos 4 años FESNOJIV (Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela), ha dado un gran impulso al movimiento coral en su seno,desarrollando una red de coros, llamada Coros Sinfónicos, que abarcan los estados de Lara, Carabobo, Aragua, Miranda, Distrito Capital, Zulia y Guárico. Las agrupaciones de mayor trayectoria son la ‘Camerata Larense’ fundada en 1987 por Libia Gómez que cuenta con seis agrupaciones corales e impulsa una amplia red de coros infantiles en el Estado, el ‘Coro Snfónico de Aragua’ dirigido por Iraida Pineda y el ‘Coro Sinfónico Metropolitano’ dirigido por Lourdes Sánchez. Igualmente, en todos los núcleos de FESNOJIV se desarrolla una amplia red de coros infantiles llamados ‘Niños Cantores’ quienes a través del canto coral se inician en la actividad musical.

 

El siglo XXI ha comenzado con mucha vitalidad en materia musical y coral. Nuestro país tiene un futuro extraordinario en el desarrollo de esta disciplina que sin duda contribuirá de manera sustantiva y profunda a consolidar las bases de una sociedad más humana, cívica, democrática y verdaderamente integrada.

 

Bibliografia

http://mariaguinand.blogspot.com/2011/11/el-canto-coral-en-venezuela-4-de-6-por.html

http://www.fundacionscholacantorum.org.ve/Quienes-somos/historia

http://mariaguinand.blogspot.com/2011/12/el-canto-coral-en-venezuela-6-de-6-por.html

Música venezolana

Publicado: 24 abril, 2013 en Musica

En Venezuela existen varios estilos de música venezolana tradicional, como la salsa y merengue venezolano, son comunes a sus vecinos del Caribe. Quizás la más típica música venezolana es el joropo,1 2 una forma rural que se originó en los llanos o planicies.

Joropo venezolano. Dibujo de Eloy Palacios (1912).

Velorio de Cruz de Mayo, dibujo deAnton Goering (1892).

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Música Tambor del Estado Zulia en elCulto a San Benito de Palermo, Venezuela.

Música folklórica

Categoría principal: Música folclórica de Venezuela.

 

Otra música muy popular en Venezuela es la Gaita. Este género, originado en el estado Zulia, es muy popular durante la época navideña. La gaita, unida al aguinaldo, conforman la representación nacional de la navidad venezolana. Esta música folklórica es una de las principales en este país. Existen varios tipos de gaitas:

Gaita zuliana

Artículo principal: Gaita zuliana.

Gaita de Furro

Tiene un esquema rítmico de 6×8. Es el género musical zuliano más difundido a escala nacional. La instrumentación con la que tradicionalmente se ha acompañado esta gaita: Cuatro, maracas, charrasca, tambora y el instrumento básico el Furro, (también conocido antiguamente como “Mandullo”) descendiente directo de la zambomba española.

La temporada gaitera originalmente estaba comprendida entre la víspera del Día de la Chinita, el 18 de Noviembre, este inicio de las gaitas se conocía tradicionalmente como la “Bajada de lo Furros” y se prolongaba hasta el 2 de Febrero, día de la Candelaria, en el cual tenia lugar la “Subida de lo Furros”, es decir se guardaban los instrumentos hasta que llegara nuevamente la fecha de inicio de la temporada.

Gaita Perijanera

Carece de estribillo fijo, siendo este el motivo por el cual un grupo de investigadores no la aceptan como gaita alegando que es requisito indispensable de está la presencia de un estribillo fijo.

Se turnan todos los asistentes con “versos “ espontáneos, (son estrofas de cuatro versos octosílabos y el coro se repite el segundo y el cuarto después de que el solista los canta), hombres y mujeres se toman de la mano y hacen círculo alrededor del grupo de músicos, el círculo avanza e incluso se rompe y se hacen diversas figuras entrecruzándose en el transcurso del baile.

Gaita a Santa Lucía

En la parte Norte de Maracaibo, concretamente en Santa Rosa de Aguas, El Moján, Sinamaica y sitios cercanos, se ha encontrado un canto al cual los habitantes de estos sitios le llaman “Gaita a Santa Lucía”, y le han conocido en esa denominación a lo largo de muchas generaciones.

Se canta en modos mayores y según algunos informantes, tradicionalmente se ha cantado acompañada de: cuatro, charrasca, maracas y furro, no habiéndose incluido la tambora sino hasta después de la llegada del “Chimbanguele” (del Sur del Lago) a estos sitios.

En toda la zona norte sólo se ha encontrado el estribillo aquí mostrado:

“Canten muchachos con alegría

Que esta es la gaita de Santa Lucía,

Gloria demos a Santa Lucía”

Los versos, son generalmente improvisados y tienen la característica de que el coro responde al revés a lo que el solista dice, por ejemplo:

Solista: “Los ojitos de Lucía, parecen dos paraparas…

Coro: “Parecen dos paraparas, los ojitos de Lucía…

Se canta en honor de Santa Lucía, generalmente para pagarle promesas, se confeccionan hermosos altares donde se le rinde culto con música y oraciones en un novenario comprendido entre el 12 y el 21 de Diciembre, (el día de Santa Lucía es el 13), sin embrago, las gaitas se prolongan más allá de esa fecha.

Gaita de Tambora

Es la evolución del canto de faena femenino; (en el pilón, en la piedra de moler, en la tabla lavando el río, frente al fogón) las esclavas eran utilizadas para el trabajo en el hogar y este canto en el trabajo, es canalizado por los valores culturales Africanos y logra florecer hasta enfrentarse al urbanismo, quien la reduce a una simple actividad que se realiza una o dos veces al año.

Se caracteriza porque presenta una tambora con parche en ambos extremos, sujetos con cáñamo o mecates; y un tamborito igual al medio golpe del chimbanguele.3

Gaita Tamborera

Llamada por el cronista e investigador Juan de Dios Martínez como “La 5ª gaita”, es ciertamente el quinto subgénero de la Gaita Zuliana. Surge a principios de la década de 1970 como resultado de la fusión de la gaita de tambora y los chimbángueles de San Benito. Su creador fue el célebre cantautor gaitero Nelson Martínez de la mano con el Gran Coquivacoa, agrupación gaitera en la cual formaba filas. Su ritmo es de 2×4 y se ejecutó inicialmente con cuatro, furro, tambora, charrasca y maracas. prontamente se le adicionaron el bajo, el piano, la guitarra eléctrica, las congas, el bongó, el cencerro y hasta metales (trompeta, trombón y saxofón) y timbales, por cuanto a finales de los 70 y principios de los 80 la gaita tamborera fue arropada por la influencia musical caribeña, en especial de la salsa, todo ello liderado por los conjuntos gaiteros vanguardistas como Estrellas del Zulia, Guaco, Santa Anita y, por supuesto, Gran Coquivacoa. La temática es variada y no tiene una temporada especial para su ejecución.

Joropos

Joropo llanero

Manifestación musical de los estados ApureBarinasCojedesGuáricoPortuguesa y parte centro-sur de Anzoátegui y Monagas. De la misma forma, el joropo llanero forma parte de la tradición folklórica de los departamentos del Vichada, Casanare, Meta y Arauca en la vecina Colombia. Este tipo de joropo ha sido el más difundido y exitoso comercialmente. Es interpretado con arpacuatromaracas y bandola llanera (cuatro cuerdas). El Joropo llanero puede ser dividido en pasaje y golpe. Mientras el pasaje es un género más lírico, el golpe es un género mucho más recio y rápido. Mientras el golpe usa temas heroicos y patrióticos, el pasaje le canta al amor y al paisaje llanero. Entre los ejemplos de golpes llaneros se pueden citar: Pajarillo, Quirpa, Carnaval, “Seis por derecho”, Quitapesares, Guacharaca, entre otros. Algunos pasajes famosos son “Fiesta en Elorza”, “Traigo polvo del camino”, “Romance en la lejanía”, “Apure en un viaje”, etc.

Joropo central o Tuyero

Joropo característico de los estados de Aragua y Miranda, y de la zona oriental de Carabobo y norte de Guárico (Venezuela). Mientras que el joropo llanero se entona con arpa o bandola llanera, cuatro y maracas, el Joropo central o Tuyero se entona con arpa, maracas y buche. Al mismo tiempo, mientras el arpa tuyera usa cuerdas métalicas y de nailon, en el arpa del joropo llanero todas las cuerdas son de nailon. Otro punto distintivo entre el Joropo tuyero y el llanero es el hecho que en el primero, el que canta es el mismo que ejecuta las maracas. La pieza más característica del folklore tuyero, “La revuelta tuyera”, consta de cuatro secciones: La exposición (Pasaje), el desarrollo (Yaguaso y Guabina), la coda instrumental (llamada “Marisela”) y un final conocido como “La llamada del mono”. Los pasajes tuyeros más famosos son “El ermitaño” de Mario Díaz, “Amanecer tuyero” de Cipriano Moreno y Pablo Hidalgo y “El gato enmochilado” de Fulgencio Aquino.

Joropo oriental

Joropo característico de la region nor-oriental de Venezuela, específicamente de los estados Sucre, Nueva Esparta y Norte de Anzoategui y Monagas. En este particular tipo de joropo el instrumento melódico por excelencia es la mandolina o bandolín. No obstante, la bandola oriental (ocho cuerdas de nailon), el violín, la armónica y un pequeño acordeón llamado “cuereta” también tienen un papel primordial en el folklore musical oriental. El llamado “Joropo con estribillo” se compone de dos secciones: la primera sección o “golpe” es tradicionalmente una melodía fija en ritmo 3/4 que es repetida dos o más veces; la segunda sección o “estribillo” es una melodía improvisada sobre un ciclo armónico fijo que está a ritmo 6/8. Cabe destacar que en el Joropo oriental, el cuatro y las maracas son ejecutados de una manera mucho más libre y compleja que en el resto de los joropos venezolanos. De la misma manera, es importante mencionar que la tradición musical de la región oriental de Venezuela posee muchas otras formas aparte del joropo oriental.

Joropo guayanés

Joropo resultado de la interacción de llaneros y orientales en el estado Bolívar, específicamente en Ciudad Bolivar. Es ejecutado con bandola guayanesa (ocho cuerdas metálicas), cuatro y maracas. “El seis guayanés”, “la Josa” y “el rompe luto” resaltan entre los joropos guayaneses más famosos.

“Golpe Tocuyano” o Joropo larense

Joropo oriundo de la region centro-occidental de Venezuela, mayoritariamente de los estados Lara y Yaracuy. Es interpretado por una variedad de cordófonos (cuatro, medio cinco, cinco y seis), que junto con tambora y maracas producen una sonoridad única entre los joropos venezolanos. Famosos golpes tocuyanos son “Amalia Rosa”, Montilla, “Gavilán tocuyano” , “A mundo Barquisimeto”y Ramoncito en Cimarrona.

Merengue Rucaneao o Merengue Venezolano

Completamente diferente de su homónimo dominicano, esta forma musical tuvo su mayor auge entre 1920 y 1940. Al principio, esta música fue relacionada a los mabiles, lugares estrictamente destinados a la bebida y el baile. También fue por muchos años la música con la que se celebraban los carnavales en Caracas. Después de los años 1940, este estilo musical cayó en desuso. No obstante, gracias a la contribución de compositores y músicos de la talla de Luís Laguna, Pablo Camacaro, Cruz Felipe Iriarte, Cristóbal Soto, Adelys Freites, Cecilia Todd, Lilia Vera, Simón Díaz, Ensamble Gurrufío, El Cuarteto, Gualberto Ibarreto, Los Cañoneros y Los Antaños del Stadium, el merengue venezolano ha recobrado su merecido espacio en la escena musical venezolana durante los ultimos treinta años. Es importante mencionar que aunque el merengue venezolano ha sido históricamente relacionado a la ciudad capital, Caracas, la región oriental y centro-occidental también tienen al merengue entre uno de sus géneros de música tradicional folklórica. Su instrumentación puede consistir en cuatro, rallo, maracas, mandolina, guitarra, clarinete, flauta, trombón, trompeta, saxofón y batería. Aún cuando ha existido una histórica controversia acerca de cuál es la verdadera medida rítmica del merengue venezolano, se puede concluir que existen tres tipos de medidas asignadas para tal fin: Una forma binaria en 2/4, otra en 6/8 y una última en 5/8, siendo ésta la favorita de los músicos y compositores de las últimas décadas.

 

Musica Andina

Bambuco andino

Siendo típicamente andino (Estados Tachira, Merida y Trujillo), este género musical se localiza también en los estados Zulia, Lara y Distrito Capital, encontrándose en éstos últimos bajo formas de melodías románticas.

La sonoridad de la palabra “bambuco” evoca en la mente del oyente cierta cercanía con las melodías africanas. Sin embargo, la realidad es otra: El Bambuco es un ritmo acompasado y cadencioso que tiene su origen en España y América, específicamente en Colombia. Su profunda raigambre en el territorio neogranadino hace que el Bambuco trascienda las fronteras y se arraigue en el occidente venezolano, específicamente en los Andes y Zulia, donde sufre algunas modificaciones en los compases y estructura. Cabe destacar que en cada región adquiere un acento propio de la geografía y las tradiciones.

A decir de algunos musicólogos, el Bambuco presenta ciertas analogías con las llamadas “habaneras”, especialmente en los lánguidos matices del fraseo de sus versos. Sin embargo, mientras la versión cubana tiene un compas 3/4, el ritmo venezolano es 6/8 (semicorchea-corchea-semicorchea). Los especialistas recuerdan que las introducciones e interludios del Bambuco emulaban instrumentalmente los tríos de boleros que colmaron la escena en el siglo XX. Su estructura musical rompe con todos los cánones, al no estar limitada a cuatro tonos cíclicos.

En cuanto al acompañamiento, en el Bambuco venezolano están presentes el piano, el bajo y la guitarra, teniendo una característica especial en la región andina donde se incorporan la mandolina, el violín, el tiple, el cuatro y la flauta. Los temas de inspiración son idílicos, nostálgicos y evocadores, con ciertos matices señoriales y hasta sublimes.

Música campesina

La música campesina (también llamada “merengue campesino”) es una expresión cultural de los andes venezolanos (Estados Mérida, Táchira, Trujillo y parte de Barinas). Este género se diferencia de la música llanera en que el güiro sustituye a las maracas y la guitarra remplaza al arpa. Tanto el cuatro como el bajo son utilizados en ambas manifestaciones. Alrededor de la década de 1970, el género se fue formando con las primeras agrupaciones y fue a través de las disqueras Divensa en Mérida, Potosí y Tamarindo que fue evolucionando y se fue dando a conocer. Hoy existe una cantidad interesante de agrupaciones representativas del género en su mayoría en el estado Mérida, la zona del Mocotíes y los pueblos del sur. Su instrumentación consiste tradicionalmente en requintoguitarraviolíncuatro venezolano y güiro.

Calipso Venezolano o Calipso de “El Callao”

El calipso venezolano o calipso de “El Callao”, cantado tradicionalmente en inglés, se hace a partir de una batería rítmica de percusión basada en el bumbac, acompañada de charrasca, campana o cencerro y cuatro venezolano. Comúnmente se adiciona teclado, bajo eléctrico, instrumentos de viento, voces masculinas y femeninas. “Woman del Callao” es indiscutiblemente el calipso del callao mas reconocido dentro y fuera de Venezuela.

Otras formas de música folklórica

Otras formas de música tradicional venezolana son extensivamente grabadas e investigadas gracias al trabajo de la Fundación Bigott, con sede en Caracas. La Percusiónafroamericana (incluyendo ritmos múltiples como sangueofulía y parranda) es quizás la forma musical mejor documentada.4 La Fundación Bigott también ha producido grupos como Un Solo PuebloHuracán de Fuego y Grupo Madera. Los artistas más experimentales de fusión combinan rumbajazz latino, el joroposalsa y otras formas de músicalatinoamericana.

Música afrocaribeña

Salsa

Otro género importado es la salsa cubano-americana, que ha producido varias superestrellas domésticas, incluyendo Oscar D’León y Canelita Medina. El merengue dominicano y los actos de música popular latina como por ejemplo, Billo’s Caracas BoysLa Orquesta de Porfi Jiménez y Los Melódicos.5

Música pop y rock

Artículo principal: Rock de Venezuela.

La música pop y el rock son también muy populares, y varias bandas y solistas han tenido considerable éxito en el transcurso de los años. Algunos grupos bien conocidos son las bandas de ska Desorden Público y Sin Sospechas, en el pop-rock Caramelos de CianuroAditus y Témpano, en el dance y el funk Los Amigos Invisibles (banda más exitosa internacionalmente) y los grupos de rock ahora extintos, pero muy influyentes, Sentimiento Muerto y Zapato 3. Recientemente, del 2010 en delante han surgido nuevas bandas dentro de la escena del rock alternativo venezolano que han recibido mayor atención internacional, en especial La Vida Bohème, banda que fue nominada a los Premios Grammy Latinos. Desde principios de la década de 1990, se realiza anualmente el llamado “Festival Nuevas Bandas”, que busca agrupar a los jóvenes en torno al género rock.

En el género del Heavy metal, a finales de los años 1970 y principios de los 80 se inició un poderoso movimiento que perdura hasta nuestros días. Entre las bandas más reconocidas podríamos citar a Resistencia, Grand Bite, Torre de Marfil y Krueger entre otros, todo ello sin dejar de mencionar a los míticos Arkangel, considerados como los padres del Heavy Metal en Venezuela y la banda de mayor proyección internacional en este estilo musical.

El movimiento musical underground contemporáneo ha visto florecer a un grupo importante de propuestas que han abierto nuevos espacios musicales dentro la música venezolana. Entre los solistas se han destacado Frank Quintero en el pop, Aguilar en el synth pop, Melissa en el new wave y soft-rock, Paul Gillman en el rock metal y Pablo Manavello en el pop-rock.

A finales de los años noventa un muy fuerte movimiento de música electrónica se extendió por el país. Varios grandes festivales multimedia tomaron lugar, tales como “Caracas no Duerme”, “AX”, “Petaquire”, y “Mare Nostrum”. Estos eventos combinaron música con video y performances de artistas venezolanos tales como Luis PoleoFrank Wow y Sony. Las principales bandas/DJ de esta era son Ojo FatuoDJ Oddo y DJ Wyz.

Algunos músicos baladistas venezolanos, como Gualberto Ibarreto Ricardo MontanerJosé Luis Rodríguez “El Puma”Guillermo DávilaFranco De VitaYordano e Ilan Chesterhan ganado popularidad en otros países latinoamericanos.

Géneros Alternativos

Música clásica

Venezuela también ha producido compositores clásicos, tales como Moisés MoleiroTeresa Carreño6 (renombrada pianista de talla mundial), Eduardo Marturet (quién es sobre todo un director de orquesta internacional), Antonio EstévezFederico Ruiz (quién también trabaja con otros géneros) y Vicente Emilio Sojo (conocido por sus contribuciones a la musicología y la educación musical). Roberto Ruscitti siguió los pasos de Sojo. En el vals se encuentra el guitarrista Antonio Lauro, considerado uno de los mejores a nivel mundial interpretando y componiendo obras para este instrumento.

Venezuela también alberga una red nacional de conservatorios y escuelas de música.7 8 También hay escuelas e institutos privados. Entre los institutos de estudios superiores en música o que tienen un departamento de música se encuentran la Universidad de las Artes, cuyo departamento de música es el antiguo Instituto Universitario de Estudios Musicales; la Universidad Central de Venezuela, que otorga diplomados en interpretación musical y posgrados en musicología, incluyendo doctorados; la Universidad Simón Bolívar, cuyo departamento de música otorga el grado de Magíster en Música en diversas áreas (Composicióndirección orquestaldirección coral y educación musical), laUniversidad de los Andes y desde 2011 la Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado, la cual otorga una Licenciatura en Música gracias al convenio con el Conservatorio Vicente Emilio Sojo.

La FundaMusical “Simón Bolívar”, que es el rector del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela conocido también como “El Sistema”. Es una obra social del Estado venezolano fundada por el maestro José Antonio Abreu, en el año de 1975, para la sistematización de la instrucción y la práctica colectiva de la música a través de la orquesta sinfónica y el coro como instrumentos de organización social y desarrollo comunitario.

Entre los prominentes músicos y compositores que han estudiado, fundado o impartido clases en estas instituciones se encuentran: María Guinand (una de las fundadoras y coordinadoras de la Maestría de Música de la Universidad Simón Bolívar), Diana ArismendiRicardo TeruelAdina IzarraJosefina BenedettiAlfredo RugelesAbraham Abreu,Aquiles BaézPablo GilCarlos Duarte y José Antonio Abreu.

Músicos venezolanos

Categoría principal: Músicos de Venezuela.

Juana María de la Concepción, conocida comúnmente como Conny Méndez,9 nació el 11 de abril de 1898 en Caracas. Fue una compositora, cantante, escritora, caricaturista y actriz que produjo más de 40 composiciones, como por ejemplo: Yo soy venezolanaChucho y CeferinaLa Negrita MarisolVenezuela habla cantando, entre muchas otras.

Aldemaro Romero10 11 fue un prolífico compositor. Fusionó muchos géneros musicales que van desde el jazz, pasando por la música caribeña hasta valses venezolanos y trabajos sinfónicos, lo cual ayudó a modernizar la música tradicional venezolana. De esa manera, creó un estilo que él mismo denominó “Onda Nueva”.12

Músicos y compositores venezolanos notables son, entre muchos otros: Rubén Cedeño, Simón DíazHugo Blanco, Chelique Sarabia, Alí Primera, Alberto Naranjo, Cheo Hurtado, Hernán Gamboa, Gualberto Ibarreto, Juan Carlos Salazar, Rafael “El Pollo” Brito, Huáscar Barradas, Elvis Cano, Reyna Lucero, Cecilia Todd, Francisco Pacheco, Vidal Colmenares, Maruja MuciMaría Teresa Chacín, Orlando Flores, Orlando Poleo y Luis Gómez-Imbert así como los grupos Serenata GuayanesaGuacoEnsamble Gurrufío,Maracaibo 15, entre otros.

Gustavo Matamoros es un destacado compositor venezolano dedicado a la experimentación con el sonido y su relación con la mente y la cultura del ser humano. El ha trabajado principalmente con técnicas contemporáneas tales como los medios electroacústicos, los medios mixtos, el “performance”, las instalaciones, la radiofonía y los espectáculos de medios múltiples. El reside en los Estados Unidos.

Véase también

Escuelas y Academias

 

 

Historia de Rajmáninov

Publicado: 23 abril, 2013 en Sin categoría

Serguéi Rajmáninov 

Serguéi Vasílievich Rajmáninov
Серге́й Васи́льевич Рахма́нинов

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Rachmaninov.jpg

El joven Rajmáninov en 1900
Nacimiento 1 de abril de 1873
Bandera de Rusia SemiónovoRusia
Fallecimiento 28 de marzo de 1943 (69 años)
Bandera de los Estados Unidos Beverly HillsLos ÁngelesEE. UU.
Ocupación Pianistacompositordirector de orquesta
Cónyuge Natalia Aleksándrovna Sátina

Serguéi Vasílievich Rajmáninovnota 1 (Серге́й Васи́льевич Рахма́нинов) (Semiónovo1 de abril de 1873 - Beverly Hills28 de marzo de 1943) fue un compositorpianista y director de orquesta ruso, uno de los últimos grandes compositores románticos demúsica clásica europea y considerado uno de los pianistas más influyentes del siglo XX.

Biografía

Su Infancia

Fue el cuarto de una familia de seis hermanos, de los cuales uno murió en sus primeros meses de vida. Su padre, Vasili Rajmáninov, era un ex-oficial de la armada rusa, con graves dificultades económicas al momento de nacer el niño. Pese a ello, Rajmáninov vivió unos primeros años felices. Como era tradicional en su familia, fue orientado musicalmente desde muy joven, recibiendo sus primeras clases de piano, por parte de su madre, a los seis años de edad. En 1882, su padre volvió a sufrir otra seria crisis financiera, y en esta ocasión tuvo que abandonar su hogar de Oneg junto a su familia, mudándose a un pequeño apartamento en San Petersburgo.

Allí sufrieron las consecuencias de una epidemia de difteria, muriendo Sofía, su segunda hermana mayor. Este trágico suceso afectó seriamente a la madre del pequeño Serguéi, quien culpó a su marido del trágico acontecimiento. Vasili abandonó a su familia poco tiempo después. A los 9 años, Rajmáninov fue inscrito en el conservatorio de San Petersburgo, gracias a la ayuda económica de su abuela materna. Sin embargo, no fue un buen alumno debido a su comportamiento, llegando al punto de falsificar sus notas. Al suspender por completo el curso de 1885, la junta directiva del conservatorio lo expulsó. Aun así, fue admitido en el conservatorio de Moscú, bajo las enseñanzas de Nikolái Zvérev, gracias a la intervención de su primo Aleksandr Ziloti, compositor famoso de la época.

Primeras obras y fracaso de su primera sinfonía

Ya en Moscú, Rajmáninov residió en la propia casa de su profesor, junto a otros dos alumnos, sometido a duras jornadas de estudio. Allí conoció a Piotr Chaikovski, amigo personal de Zvérev, quien sería muy influyente en la vida y obra de Rajmáninov, y de cuya Sinfonía Manfredo realizó una trascripción para piano a cuatro manos en 1886, a los trece años, obra de la cual el propio Chaikovski quedó impresionado. Rajmáninov comenzó a demostrar su talento para la composición desde muy joven, y decidió volcarse en ella, aunque Zvérev estaba empeñado en desarrollar al máximo sus virtudes pianísticas. Tras un mes de discusiones, Rajmáninov se marchó a vivir definitivamente con su tía Varvara en 1889, a los dieciséis años.

A lo largo de los dos años siguientes, Rajmáninov se dedicó a componer pequeñas piezas, y tomó sus primeros contactos como director de orquesta. Asimismo, en 1891, compuso el Primer concierto para Piano y Orquesta, dedicado a su primo Aleksandr Ziloti, y la ópera Aleko, que le sirvió para graduarse en el Conservatorio de Moscú con menciones honoríficas. En 1892 Rajmáninov ya estaba preparado para su carrera como compositor, y abandonó el conservatorio en el verano del mismo año. Rajmáninov publicó sus primeros trabajos, lo que le permitió independizarse económicamente de su familia, además de las ganancias por las clases que impartía. Durante esta época, compondría sus primeros preludios y elegías para piano, así como el poema sinfónico La Roca. Durante los ocho primeros meses de 1895, Rajmáninov estuvo trabajando en su Primera Sinfonía, en la que volcó sus ilusiones y esperanzas. Se estrenó por primera vez dos años después, en 1897, bajo la dirección del también compositor Aleksander Glazunov. La presentación fue un rotundo fracaso, ya que aparentemente Glazunov estaba ebrio y la ejecución de la orquesta fue deficiente. Los críticos fueron muy duros en sus apreciaciones y ello afectó seriamente a Rajmáninov, causándole depresión.

Los años de depresión

Retrato de Serguéi Rajmáninov porKonstantín Sómov 1925

Rajmáninov no escribiría nada durante el verano siguiente al estreno de su Primera Sinfonía. Tras su fracaso, pensó dedicar su vida a la dirección más que a la composición, y fue nombrado director de la Compañía de Ópera de Moscú. Tras un exitoso debut, dirigiendo Sansón y Dalila de Camille Saint-Saëns, su fama fue extendiéndose por toda Europa, hasta el punto de recibir una oferta de la Royal Philarmonic Society de Londres para interpretar y dirigir alguna de sus propias obras. Este hecho obligó a Rajmáninov a revisar su concierto para piano, y su carencia de ideas y bloqueo mental para la composición, sin duda consecuencia de aquella desafortunada experiencia con su primera sinfonía, produjeron un grave decaimiento anímico en el artista.

Más deprimido que nunca, Rajmáninov se puso en manos del Dr. Nikolái Dahl, especialista en neurología e hipnosis, quien le trataría durante la mayor parte del año 1900, con excelentes resultados, devolviéndole la confianza en sus aptitudes creativas.Tras un viaje a Italia, Rajmáninov comenzó a escribir los primeros bocetos de una de sus obras maestras, el Concierto para piano y orquesta nº 2, tocó el segundo y tercer movimiento en Moscú en diciembre de 1900, añadió el primer movimiento en la primavera de 1901 y ofreció la primera interpretación completa el 27 de octubre de ese mismo año dedicado al propio Dahl, con un inmenso éxito de crítica y público.

El período ruso

Tras el éxito de su Concierto n.º 2, y plenamente recuperado de su crisis anímica y creativa, Rajmáninov anuncia en 1902 su casamiento con su prima Natalia Aleksándrovna Sátina. Debido a que la Iglesia Ortodoxa prohíbe los matrimonios entre familiares, este enlace generaría muchos problemas. Afortunadamente para Rajmáninov, la intervención de una de sus tías y la celebración de la ceremonia en una capilla militar hicieron oficial su matrimonio. Eran sin duda los mejores tiempos para el artista.

Comienza aquí su triple carrera, como compositor, pianista y director, que le llevaría a adquirir una fama sin precedentes. Fue director del Teatro Bolshói de Moscú, entre 1904 y1906, y realizó varias giras por todo el mundo como pianista. A esta etapa de su vida pertenecen sus obras más grandiosas: además del mencionado Concierto para piano y orquesta n.º 2, Rajmáninov escribiría obras maestras como su Segunda Sinfonía (1907), La isla de los muertos y sus Concierto para piano y orquesta n.º 3 y n.º 4 (1909), Las campanas (1913), y numerosas piezas para piano, entre las que se encuentran sus preludios para piano, suite para dos pianos…

Tras la Revolución rusa

Rajmáninov, de un anuncio de Victor de 1921.

 
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Audio de la Segunda rapsodia húngara(de Liszt) ejecutada por Rajmáninov en 1919para un anuncio de la compañía de grabaciones de Edison; tomada del sitio de la Librería del Congreso (en Washington).

En 1917 explota la tensión acumulada en su país, tiene lugar la revolución rusa y Rajmáninov decide abandonar su Rusia natal. Sin dinero ni posesiones el artista emigra con su familia en otoño de ese año, a la edad de cuarenta y cuatro años. Ya en 1918, y asentado en París, Rajmáninov recibe tentadoras y lucrativas ofertas desde Estados Unidos, que supondrían la salida económica para él y su familia. Tras aceptar varias ofertas sobre giras de conciertos, firma en 1920 un importante concierto con la compañía de grabaciones “Victor Talking Machine Company“, y al año siguiente compra una casa en Riverside Drive (Nueva York). Fue en Paris donde fundó una importante firma publicitaria, cuyo objetivo principal era el de dar a conocer tanto obras suyas como las de otros compositores rusos.

Mientras tanto, su música era prohibida por el nuevo régimen en la URSS[cita requerida]. Durante esta etapa Rajmáninov dedicaría su tiempo a su profesión de solista y director, tan necesaria para mantener su economía y la de su familia, por lo que su faceta creativa se vio muy mermada. De este periodo destacan las excelentes Tres canciones rusas (1926), 42 variaciones sobre un tema de Corelli (1931), la impresionante Rapsodia sobre un tema de Paganini (1934), su Tercera Sinfonía (1936) y algunos arreglos para piano.

[editar]Sus últimos años en Estados Unidos

La tumba de Serguéi Rajmáninov en elKensico Cemetery

En otoño de 1909, embarcó en su primera gira estadounidense, ofreciendo como él mismo señaló casi un concierto diario durante tres meses enteros. Estrenó su tercer concierto para piano el 28 de noviembre en el New Theatre de Nueva York bajo la dirección de Walter Damrosh. En enero de 1910 lo repitió en el Carnegie Hall esta vez bajo la dirección de Gustav Mahler que impresionó enormemente a Rajmáninov como director.

En 1939, Rajmáninov se asienta definitivamente en Estados Unidos junto a su familia, dedicándose fundamentalmente a su faceta de intérprete en giras por EE.UU. En 1940, escribiría la que sería su última obra catalogada, las Danzas sinfónicas, una de las obras maestras de la música de nuestro siglo. Asimismo, en 1941, revisaría su Concierto n.º 4 para piano y orquesta. En 1942-1943, Rajmáninov realizó su última gira de conciertos, y se compró una casa en Beverly Hills, que sería su última residencia. Allí murió el 28 de marzo de 1943, a la edad de 70 años, víctima de un cáncer tardíamente diagnosticado.

Obras más importantes

Artículo principal: Obras de Rajmáninov.

Historia de la música

 

Publicado el 17/02/2013

Vídeo sobre a evolução da música ao longo do tempo, desenhado e editado por Pablo Morales de Los Rios (texto original em espanhol). Um show.

Enlace  —  Publicado: 23 abril, 2013 en Sin categoría

Música del Romanticismo

Publicado: 23 abril, 2013 en Musica

Romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el Clasicismo y seguido por el Impresionismo.

El Romanticismo musical está relacionado con el Romanticismo, la corriente de cambios en LiteraturaBellas Artes y Filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el Romanticismo en aquellas Artes y en la Filosofía se suele reconocer entre losaños 1780 y 1840. El Romanticismo como movimiento global en las Artes y la Filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones

Historia de la música

Música en la Prehistoria
Música en la Antigüedad

Música medieval
Música del Renacimiento

Música del Barroco
Música del Clasicismo
Música del Romanticismo
Música del impresionismo

  • Período moderno y contemporáneo
    (1910 – presente)

Música académica contemporánea
Música modernista
Jazz
Música popular

Este artículo forma parte de la categoría:Historia de la música
Véase también: Portal:Música

 

Historia del romanticismo

Influencias extramusicales

La controversia se inició en los años 1830 cuando Hector Berlioz compuso su Sinfonía fantástica, que se presentó acompañada de extenso texto que describía el programa de la sinfonía, lo que causó que muchos críticos y académicos opinaran sobre el tema en sí. Entre los primeros detractores se encontraba François-Joseph Fétis, director del recién creado Conservatorio Real de Bruselas, que declaró que la obra “no era música”.

Robert Schumann defendió la obra, pero no el programa, argumentando que la buena música no podía verse afectada por malos títulos, pero que los buenos títulos no servían para salvar una mala obra. Franz Liszt fue uno de los defensores de la inspiración extra-musical.

A medida que pasó el tiempo las diferencias aumentaron, con polémicas azuzadas por ambos bandos. Para aquellos que creían en la música “absoluta”, la perfección formal descansaba en la expresión musical que respetaba los esquemas trazados en obras previas, sobre todo en la forma sonata que ya había sido codificada. Para los impulsores de la música de programa, la expresión rapsódica de la poesía o cualquier otro texto externo, era, en sí mismo, una forma. Argumentaban que al involucrar la vida del artista en la obra sería necesario seguir el curso de la narración. Tanto unos como otros citaban a Beethoven como fuente de inspiración y justificación. Esta disputa se resumió como el conflicto entre los seguidores de Johannes Brahms y Richard Wagner: Brahms era considerado el pináculo de la música absoluta, sin textos o referencias externas, y Wagner, el predicador de la poesía como proveedora de forma armónica y melódica para la música.

Las causas que provocaron esta controversia son complejas. Una de estas causas fue, indudablemente, la importancia creciente de la poesía romántica, así como un interés creciente por canciones que pudieran ser interpretadas en conciertos o en casa. También se ha mencionado la naturaleza misma de los conciertos, que pasaron de ser presentaciones de una amplia variedad de obras, a ser mucho más especializados, lo cual aumentó la demanda de obras instrumentales con mayor expresividad y especificidad.

Algunos ejemplos notables de inspiración extra-musical los encontramos en la sinfonía Faustosinfonía Dante, y varios poemas sinfónicos de Liszt; la sinfonía Manfredo deTchaikovski; la primera sinfonía de Gustav Mahler; y el Carnaval de los animales de Camille Saint-Saëns. Por otro lado, compositores como Schubert utilizaron melodías de canciones en obras más extensas, y otros, como Liszt, transcribieron arias de ópera o canciones en obras puramente orquestales.

Ópera romántica (1800–1924)

En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su apogeo con las óperas de Wagner, en las cuales las ariascorosrecitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un continuo fluir de la música.

También ocurrieron otros cambios. Los castrati desaparecieron y por tanto los tenores adquirieron roles más heroicos, y los coros se tornaron más importantes. A finales del período romántico, el verismo se popularizó en Italia, retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y quedaron ejemplos populares como Carmen de Bizet.

Muchos compositores del romanticismo, a partir de la segunda mitad del siglo XIX, escribieron música nacionalista, que tenía alguna conexión particular con su país. Esto se manifestó de varias maneras. Los temas de las óperas de Mijaíl Glinka, por ejemplo, son específicamente rusos, mientras que Bedřich Smetana y Antonín Dvořák utilizaron ritmos y temas de las danzas y canciones populares checas. A finales del siglo XIX, Jean Sibelius escribió Kullervo, música basada en la épica finlandesa (el Kalevala) y su piezaFinlandia se convirtió en un símbolo del nacionalismo finés.

Instrumentación y escala

Como en otros períodos, la instrumentación se adaptó a los requerimientos musicales del período. Compositores como Hector Berlioz orquestaron sus obras de una forma nunca antes escuchada, dándole una nueva prominencia a los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta estándar aumentó, y se incluyeron instrumentos tales como el piccolo ycorno inglés, que antes se utilizaban muy ocasionalmente. Mahler escribió su octava sinfonía, conocida como la Sinfonía de los miles, por la masa orquestal y coral que se requiere para interpretarla.

Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del romanticismo se tornaron más largas. Una sinfonía típica de Haydn o Mozart, compositores del clasicismo, puede durar aproximadamente veinte o veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se suele considerar como del romanticismo inicial, dura alrededor de cuarenta y cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de Mahler, con sinfonías que tienen una hora de duración (como es el caso de la primera y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y media (como la segunda, tercera o novena).

Por otro lado, en el romanticismo creció la importancia del instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las estrellas musicales de principios del siglo XIX. Liszt, además de ser un notable compositor, fue también un virtuoso del piano, muy popular. Durante las interpretaciones de los virtuosos, solían destacar más ellos que la música que estaban interpretando.

Estos son algunos de los instrumentos que aparecen en el romanticismo:

VIENTO

Contrafagot: Especie de fagot de grandes dimensiones, cuyos sonidos se producen a la octava grave del fagot ordinario.

Saxofón: Instrumento de viento compuesto de un tubo cónico de metal encorvado en forma de U, con varias llaves y una boquilla de madera y caña. Los hay de varios tamaños.

Corno inglés: Instrumento de viento, más grande y de sonido más grave que el oboe.

Tuba: Instrumento de viento de grandes proporciones y de sonoridad voluminosa y grave.

TECLADO

Piano: Aunque ya existía en el Clasicismo, el piano es el gran instrumento del romanticismo. Permite la mayor expresividad a los compositores, que son, muchas veces, virtuosos de este instrumento.

Breve cronología

Las raíces clásicas del romanticismo (1780–1815)

En literatura, se suele decir que el romanticismo se inició en los años 1770 ó 1780, con el movimiento alemán llamado Sturm und Drang. Fue principalmente influenciado por Shakespeare, las sagas folkclóricas, reales o ficticias, y por la poesía de Homero. Escritores como Goethe o Schiller, cambiaron radicalmente sus prácticas, mientras en EscociaRobert Burns transcribía la poesía de las canciones populares. Este movimiento literario se reflejó de varias maneras en la música del período clásico, incluyendo la obra de Mozart en la ópera alemana, la elección de las canciones y melodías que se utilizarían en trabajos comerciales, y en el incremento gradual de la violencia en la expresión artística. Sin embargo, la habilidad o interés de la mayoría de los compositores para adherirse al “romanticismo y la revolución” estaba limitada por su dependencia a las cortes reales. Ejemplo de ello es la historia del estreno de Le nozze di Figaro de Mozart, que fue censurada por ser revolucionaria.

Incluso en términos puramente musicales, el romanticismo tomó su substancia fundamental de la estructura de la práctica clásica. En este período se incrementaron los estándares de composición e interpretación, y se crearon formas y conjuntos estándar de músicos. Sin faltar a la razón, E.T.A. Hoffmann llamó “tres compositores románticos” a Haydn, Mozart y Beethoven. Una de las corrientes internas más importantes del clasicismo es el rol del cromatismo y la ambigüedad armónica. Todos los compositores clásicos más importantes utilizaron la ambigüedad armónica y la técnica de moverse rápidamente entre distintas tonalidades sin establecer una verdadera tonalidad. Uno de los ejemplos más conocidos de ese caos armónico se encuentra al principio de La Creación de Haydn. Sin embargo, en todas estas excursiones la tensión se basaba en secciones articuladas, un movimiento hacia la dominante o la relativa mayor, y una transparencia de la textura.

Para los años 1810 se habían combinado la utilización del cromatismo y la tonalidad menor, el deseo de moverse a más tonalidades para lograr un rango más amplio de música, y la necesidad de un mayor alcance operístico. Mientras Beethoven fue tenido luego como la figura central de movimiento, compositores como Muzio Clementi o Louis Spohrrepresentaban mejor el gusto de la época de incorporar más notas cromáticas en su material temático. La tensión entre el deseo de más color y el deseo clásico de mantener la estructura, conllevó a una crisis musical. Una respuesta fue moverse hacia la ópera, donde el texto podía otorgar una estructura incluso cuando no hubiera modelos formales. ETA Hoffman, conocido actualmente más por sus críticas musicales, presentó con su ópera Undine (1814) una innovación musical radical. (No confundir con la de Tchaikovski de 1869). Otra respuesta a esta crisis se obtuvo mediante la utilización de formas más cortas, incluyendo algunas novedosas como el nocturno, donde la intensidad armónica en sí misma era suficiente para mover la música adelante.

Romanticismo temprano (1815–1850)

En la segunda década del siglo XIX, el cambio a nuevas fuentes para la música, junto a un uso más acentuado del cromatismo en las melodías y la necesidad de más expresividad armónica, produjeron un cambio estilístico palpable. Las razones que motivaron este cambio no fueron meramente musicales, sino también económicas, políticas y sociales. El escenario estaba preparado para una nueva generación de compositores que podía hablarle al nuevo ambiente europeo post-napoleónico.

En el primer grupo de compositores se suele agrupar a BeethovenLouis SpohrE. T. A. HoffmannCarl Maria von Weber y Franz Schubert. Estos compositores crecieron en medio de la dramática expansión de la vida concertística de finales del siglo XVIII y principios del XIX, y esto le dio forma a sus estilos y expectativas. Muchos saludaron a Beethoven como el modelo a seguir, o al menos a aspirar. Las melodías cromáticas de Muzio Clementi y las óperas de RossiniCherubini y Mehul, también ejercieron cierta influencia. Al mismo tiempo, la composición de canciones para voz y piano sobre poemas populares, para satisfacer la demanda de un creciente mercado de hogares de clase media, fue una nueva e importante fuente de entradas económicas para los compositores.

Los trabajos más importantes de esta ola de compositores románticos fueron quizás los ciclos de canciones y las sinfonías de Schubert, las óperas de Weber, especialmenteOberonDer Freischütz y Euryanthe. Para la época, las obras de Schubert sólo se interpretaron ante audiencias limitadas y sólo pudieron ejercer un impacto notable gradualmente. Por el contrario, las obras de John Field se conocieron rápidamente, en parte debido a que era capaz de componer pequeñas y “características” obras para piano y danzas.

La siguiente cohorte de compositores románticos incluye a Franz LisztFelix MendelssohnFrédéric Chopin y Hector Berlioz. Ellos nacieron en el siglo XIX e iniciaron pronto la producción de composiciones de gran valor. Mendelssohn fue particularmente precoz, escribiendo sus primeros cuartetos, un octeto para cuerdas y música orquestal antes de cumplir los veinte años. Chopin se abocó a la música para piano, incluyendo etudes (estudios) y dos conciertos para piano. Berlioz compondría la primera sinfonía notable luego de la muerte de Beethoven, la mencionada Sinfonía fantásticaLiszt compuso música orquestal, pero es conocido por innovar en la técnica del piano, sus estudios trascendentales están entre las obras que requieren mayor virtuosismo.

Al mismo tiempo se estableció lo que ahora se conoce como “ópera romántica”, con una fuerte conexión entre París y el norte de Italia. La combinación del virtuosismo orquestal francés, las líneas vocales y poder dramático italianos, junto a libretos que se basaban en la literatura popular, establecieron las normas que continúan dominando la escena operística. Las obras de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti fueron inmensamente populares en esta época.

Un aspecto importante de este parte del romanticismo fue la amplia popularidad alcanzada por los conciertos para piano (o “recitales”, como los llamaba Franz Liszt), que incluían improvisaciones de temas populares, piezas cortas y otras más largas, tales como las sonatas de Beethoven o Mozart. Una de los exponentes más notables de las obras de Beethoven fue Clara Wieck, que luego se casaría con Robert Schumann. Las nuevas facilidades para viajar que se ofrecían en la época, gracias al tren y luego al vapor, permitieron que surgieran grupos internacionales de fanáticos de pianistas virtuosos, como Liszt, Chopin y Thalberg. Estos conciertos se transformaron en eventos por sí mismos. Niccolò Paganini, famoso virtuoso del violín, fue pionero de este fenómeno.

Entre finales de los años 1830 y los años 1840, los frutos de esta generación fueron presentados al público, como por ejemplo las obras de Robert Schumann, Giacomo Meyerbeery el joven Giuseppe Verdi. Es importante notar que el romanticismo no era el único, y ni siquiera el más importante, género musical de la época, ya que los programas de los conciertos estaban en gran medida dominados por un género post-clásico, ejemplificado por el Conservatorio de París, así como la música cortesana. Esto comenzó a cambiar con el auge de ciertas instituciones, tales como las orquestas sinfónicas con temporadas regulares, una moda que promovió el mismo Felix Mendelssohn.

Fue en este momento cuando Richard Wagner produjo su primera ópera exitosa, e inició su búsqueda de nuevas formas para expandir el concepto de los “dramas musicales”. Wagner gustaba llamarse a sí mismo revolucionario, y tenía constantes problemas con sus prestamistas y con las autoridades; al mismo tiempo se rodeó de un círculo de músicos con ideas parecidas, como Franz Liszt, con quienes se dedicó a crear la “música del futuro”.

Suele indicarse que el romanticismo literario terminó en 1848, con las revoluciones que ocurrieron ese año y que marcaron un hito en la historia de Europa, o al menos en la percepción de las fronteras del arte y la música. Con el advenimiento de la ideología “realista“, y la muerte de figuras como Paganini, Mendelssohn y Schumann, y el retiro de Liszt de los escenarios, apareció una nueva generación de músicos. Algunos argumentan que esta generación debería llamarse victorianos más que románticos. De hecho, los años finales del siglo XIX suelen describirse como romanticismo tardío.

Romanticismo tardío (1850–1910)

Al llegar a la segunda mitad del siglo XIX, muchos de los cambios sociales, políticos y económicos que se iniciaron en la era post-napoleónica, se afirmaron. El telégrafo y las vías ferroviarias unieron a Europa mucho más. El nacionalismo, que fue una de las fuentes más importantes del principio de siglo, se formalizó en elementos políticos y lingüísticos. La literatura que tenía como audiencia la clase media, se convirtió en el objetivo principal de la publicación de libros, incluyendo el ascenso de la novela como la principal forma literaria.

Muchas de las figuras de la primera mitad del siglo XIX se habían retirado o habían muerto. Muchos otros siguieron otros caminos, aprovechando una mayor regularidad en la vida concertística, y recursos financieros y técnicos disponibles. En los anteriores cincuenta años, muchas innovaciones en la instrumentación, incluyendo el piano de acción de doble escape (“double escarpment”), los instrumentos de viento con válvulas, y la barbada (“rest chin”) de los violines y violas, pasaron de ser algo novedoso a estándar. El incremento de la educación musical sirvió para crear un público más amplio para la música para piano y los conciertos de música más sofisticados. Con la fundación de conservatorios y universidades se abrió la posibilidad a los músicos de hacer carreras estables como profesores, en vez de ser empresarios que dependían de sus propios recursos. La suma de estos cambios puede verse en la titánica ola de sinfonías, conciertos, y poemas sinfónicos que fueron creados, y la expansión de las temporadas de óperas de muchas ciudades y países, como París, Londres o Italia.

El período romántico tardío también vio el auge de los géneros llamados “nacionalistas” que estaban asociados con la música popular (folclórica) y la poesía de determinados países. La noción de música alemana o italiana, ya estaba largamente establecida en la historia de la música, pero a partir de finales del siglo XIX se crearon los subgéneros ruso (Mijaíl GlinkaMúsorgskiRimski-KórsakovChaikovski y Borodin); checo, finlandés y francés. Muchos compositores fueron expresamente nacionalistas en sus objetivos, buscando componer ópera o música asociada con la lengua y cultura de sus tierras de or

Posromanticismo (1870–1949)

Se puede considerar un movimiento de finales del siglo XIX y principios del XX que se diferencia del Romanticismo por la exuberancia orquestal y la desmesura en los desarrollos sinfónicos, también se caracteriza por un intenso cromatismo que supera a Richard Wagner y acaba en la atonalidad. En los compositores postrománticos se observa la melancolía que les produce la pérdida de la cultura romántica.

Los compositores más representativos de este estilo fueron Gustav Mahler y Richard Strauss

Romanticismo en el siglo XX (1901, en adelante)

Muchos de los compositores que nacieron en el siglo XIX y continuaron componiendo ya entrado el siglo XX, utilizaron formas que estaban en clara conexión con la era musical previa, incluyendo a Sergei RachmaninoffGiacomo PucciniRichard Strauss y Kurt Atterberg. Por otro lado, muchos de los compositores que luego fueron identificados como modernistas, escribieron en sus inicios obras con un marcado estilo romántico, como por ejemplo Igor Stravinsky (es notable su ballet El pájaro de fuego), Arnold Schoenberg(Gurrelieder), y Béla Bartók (El castillo de Barba Azul). Pero el vocabulario y la estructura musical de finales del siglo XIX no se quedó allí; Ralph Vaughan WilliamsErich KorngoldBerthold Goldschmidt y Sergéi Prokófiev continuaron este género de composición más allá de 1950.

Aunque algunas nuevas tendencias como el neoclasicismo o la música atonal, cuestionaron la preeminencia del género romántico, el interés por utilizar un vocabulario cromático centrado en la tonalidad, siguió presente en las obras más importantes. Samuel BarberBenjamin BrittenGustav HolstDmitri ShostakóvichMalcolm Arnold y Arnold Bax, aunque se consideraban a sí mismos compositores modernos y contemporáneos, mostraron frecuentemente tendencias románticas en sus obras.

El romanticismo alcanzó un nadir retórico y artístico alrededor de 1960: todo indicaba que el futuro estaría formado por géneros de composición avant garde o con algún tipo de elementos neo-clásicos. Mientras Hindemith regresaba a estilos más reconocibles en sus raíces románticas, muchos compositores se movieron en otras direcciones. Parecía que sólo en la URSS o China, donde había una jerarquía académica conservadora, el romanticismo tenía un lugar. Sin embargo, a finales de 1960 se inició un revival de la música que tenía una superficie romántica. Compositores como George Rochberg pasaron de la música serial a modelos basados en Gustav Mahler, un proyecto en el que estuvo acompañado de otros como Nicholas Maw y David Del Tredici. Este movimiento se suele denominar neorromanticismo, e incluye obras tales como la Primera sinfonía de John Corigliano.

Otra área donde el género romántico ha sobrevivido, e incluso ha florecido, es en las bandas sonoras. Muchos de los primeros emigrantes que escapaban de la Alemania nazifueron compositores judíos que habían estudiado con Mahler o sus discípulos en Viena. La partitura de la película Lo que el viento se llevó del compositor Max Steiner, es un ejemplo del uso de los leitmotivs wagnerianos y la orquestación mahleriana. La música de los filmes de la Era dorada de Hollywood fue compuesta en gran medida por Korngold y Steiner, así como Franz Waxman y Alfred Newman. La siguiente generación de compositores para el cine, compuesta por Alexander NorthJohn Williams, y Elmer Bernstein se basó en esta tradición en la composición de la música orquestal para cine más familiar de finales del siglo XX.

Géneros musicales del Romanticismo

Los principales géneros musicales del Romanticismo son los siguientes:

Preludio. Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano.

Bagatela. Composición corta para piano y sin ninguna pretensión.

Estudio. Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad.

Impromptu. Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación.

Nocturno. Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica.

Lied. Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas.

Sinfonía y concierto. La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los ideales románticos.

El primer sinfonista romántico fue Beethoven. Los compositores románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía.

Música programática. Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que pretende expresar una idea, historia, etc., y comunicarla al oyente por medio de un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema sinfónico.

Poema sinfónico. Obra de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la poesía y la música.

 

 

celta

Publicado: 23 abril, 2013 en Musica

Música celta

La banda de gaitas ardenesa BagadArduinn.

Música celta es el término utilizado para describir un amplio grupo de géneros musicales que parten de la tradición musical popular de los pueblos considerados de tradición celta de Europa Occidental. Como tal, no existe un cuerpo musical real que pueda ser descrito comocelta, pero el término sirve para unificar tanto músicas estrictamente tradicionales de determinadas regiones geográficas, como un tipo demúsica contemporánea de raíz folclórica con un mismo origen etnológico y musical.

El término significa principalmente dos cosas: en primer lugar es la música de los pueblos que se autodenominan celtas, a diferencia de, por ejemplo, la música francesa o la música inglesa, definidas por existir dentro de unas fronteras políticas claras. En segundo lugar, se refiere a las características que serían exclusivas de la música de las llamadas naciones celtas. Algunos, como Geoff Wallis y Sue Wilson en su obra The Rough Guide to Irish Music, insisten en que muchas de las tradiciones agrupadas en la etiqueta “celta” son ostensiblemente diferentes entre sí (por ejemplo, la gaélica y la bretona) y en realidad tienen nada o poco en común. Otros, sobre todo músicos como Alan Stivell, dicen que sí lo tienen, en concordancia con estudios más antiguos.1

A menudo, por su amplia difusión, el término “música celta” se aplica a la música de Irlanda y Escocia ya que ambos lugares han producido estilos bien conocidos que comparten muchos y evidentes rasgos comunes, tanto en lo musical como en lo lingüístico (cultura gaélica). Sin embargo, es notable que los músicos tradicionales irlandeses y escoceses evitan el término música celta, excepto cuando se ven obligados a ello por las necesidades del mercado, y cuando se producen en festivales de música celta fuera de sus fronteras. La definición se complica aún más por el hecho de que la independencia permitió a Irlanda promocionar la música celta como un producto específicamente irlandés, quedando así difuminados sus lazos musicales con la vecina Escocia (lazos que han sido en gran parte restablecidos por los músicos modernos). Escoceses e irlandeses, aunque distintos y separados en lo político, comparten una misma ascendencia cultural y, por consiguiente, puede hablarse de un patrimonio musical celta (o gaélico) común a ambos.

Estos estilos gaélicos gozan de renombre internacional debido a la influencia de irlandeses y escoceses en el mundo de habla inglesa, especialmente en Estados Unidos, donde tuvieron un profundo impacto en músicas americanas como el bluegrass y el country.2

La música de GalesCornualles, la isla de ManBretañaGaliciaAsturias, y algunas zonas de Cantabria León y Portugal son a menudo etiquetadas también como “música celta”, aunque poco tienen que ver sus respectivas tradiciones con la música que constituye su principal referencia, es decir, la gaélica de Irlanda y Escocia.[cita requerida] El movimiento musical celta, de carácter romántico [cita requerida] y vinculado a veces a reivindicaciones de minorías culturales y nacionales, es particularmente fuerte en Bretaña, donde diversos festivales de música celta tienen lugar a lo largo del año, en paralelo y concordancia con otras celebraciones tradicionales (fiestas locales y festoù-noz) en las que la música bretona tiene un lugar destacado y que acogen bandas y músicos de otros países de tradición celta. Del mismo modo, Gales mantiene sus antiguas celebraciones, como el Eisteddfod. Existe además una dinámica escena musical en el seno de las comunidades extranjeras de origen irlandés y escocés, especialmente en Canadá, donde se unen grupos de tradición bretona, y en los Estados Unidos.

 

Divisiones

En el libro Celtic Music: A Complete GuideJune Skinner Sawyers reconoce seis naciones celtas divididas en dos grupos en función de su patrimonio lingüístico:3

El músico Alan Stivell utiliza una dicotomía similar entre las ramas goidélica (irlandésescocés y manés) y britónica (bretóngalés ycórnico), que se diferencian “sobre todo por un rango extendido (algunas veces más de dos octavas) de las melodías irlandesas y escocesas y el rango cerrado de las melodías bretonas y galesas (a menudo reducido a media octava), y por el frecuente uso de la escala pentatónica pura en la música gaélica”.

Las seis naciones celtas:     Bretaña     Cornualles     Escocia     Gales     Irlanda     Isla de Man

Formas

La identificación de características comunes en la música celta es problemática. La mayoría de las formas musicales populares hoy consideradas como característicamente celtas fueron (y a menudo siguen siendo) comunes a muchos otros lugares de Europa Occidental. Existe un debate sobre si las jigas irlandesas fueron adaptadas de la giga italiana, forma típica de la era barroca,6 3 por ejemplo, mientras que la polca tiene su origen en la tradición checa y polaca.7

Típica gaita escocesa.

Hay géneros y estilos musicales propios de cada país celta debido a las tradiciones individuales de canto y a las características de sus lenguajes específicos. Los Strathspeys son específicos de las Tierras Altas de Escocia, por ejemplo, y algunos han teorizado que sus ritmos imitan los de la lengua escocesa.8

Instrumentos

Los instrumentos básicos usualmente empleados en la composición e interpretación de música celta son la gaita, el bodhrán, el violín, el tin y low whistle y/o la flauta travesera irlandesa, la bombarda y el arpa celta.

Festivales

El bagad Karreg An Tan desfilando en el Festival Intercéltico de Lorient de2009.

La escena de la música celta implica un gran número de festivales de música.

Festivales de música celta
Festival Lugar País
Festival Intercéltico de Lorient Lorient Bandera de Francia Francia
Festival de la Saint Loup Guingamp Bandera de Francia Francia
Festival de Cornouailles Quimper Bandera de Francia Francia
Les Nuits Celtiques du Stade de France París Bandera de Francia Francia
Festival del Kan ar Bobl Lorient Bandera de Francia Francia
National Celtic Festival Portarlington Bandera de Australia Australia
CeltFest Cuba Habana Bandera de Cuba Cuba
Celtic Colours Cabo Bretón Bandera de Canadá Canadá
Festival Celtique International de Montréal Montréal Bandera de Canadá Canadá
Celtic Connections Glasgow Bandera del Reino Unido Reino Unido
Festival Anual de Música Celta Buenos Aires Bandera de Argentina Argentina
Festival Internacional del Mundo Celta de Ortigueira OrtigueiraLa Coruña Bandera de España España
Festival Intercéltico de Avilés Avilés Bandera de España España
Folixa na Primavera Mieres Bandera de España España
Folkomillas Festival Comillas Bandera de España España
Festival Internacional de Música Celta de Collado Villalba Collado Villalba Bandera de España España
Sauga Folk Colindres Bandera de España España
Festival Intercéltico de Orejo Marina de Cudeyo Bandera de España España
Festa da Carballeira ZasLa Coruña Bandera de España España
Montelago Celtic Night Colfiorito Bandera de Italia Italia
Hebridean Celtic Festival Stornoway Bandera del Reino Unido Reino Unido
Guinness Irish Festival Sion Flag of Switzerland.svg Suiza
Festival Intercéltico de Oporto Oporto Bandera de Portugal Portugal
Festival Intercéltico de Sendim Sendim Bandera de Portugal Portugal
Fleadh ceol na hEireann Tullamore Bandera de Irlanda Irlanda
Festival Intercéltico San Jose Bandera de Costa Rica Costa Rica
Yn Chruinnaght Isla de Man Bandera del Reino Unido Reino Unido
Festival Celta Internacional Reino de León León Bandera de España España

Celtic fusión

La más antigua tradición musical que se inscribe bajo el sello de la fusión celta se originó en la Sudamérica rural a principios del periodo colonial e incorporaron influencias escocesas, irlandesas, inglesas y africanas. Diversamente denominada como música de raíces, música folk americana o música de los viejos tiempos, esta tradición ha ejercido una fuerte influencia en todas las formas de la música americana, incluyendo el countryblues y rock and roll.9 Además de sus efectos a largo plazo en otros géneros, significó la primera mezcla moderna a gran escala de tradiciones musicales de varias comunidades étnicas y religiosas dentro de la diáspora celta.

En la década de los sesenta varias bandas presentaron adaptaciones modernas de música celta tirando de influencias de varias naciones celtas a la vez para crear un sonido moderno pan-céltico. Algunas de ellas incluyen bagadoù (bandas de gaitas bretonas),Fairport ConventionPentangleSteeleye Span y Horslips.

En la década de los setentaClannad comenzó inicialmente en la escena folk y tradicional, y posteriormente pasó a cerrar la brecha entre la música celta tradicional y la música pop en los años ochenta y noventa incorporando elementos del New agejazzfolk rock. Huellas del legado de Clannad pueden ser escuchadas en la música de muchos artistas incluyendo EnyaAltan,CapercaillieThe CorrsLoreena McKennittAnúnaRiverdance y U2.

Más tarde, a partir de 1982 con la invención hecha por The Pogues del punk celta, ha habido un movimiento para incorporar influencias celtas en otros géneros de música. Bandas como Flogging MollyBlack 47Dropkick MurphysThe Young DublinersMarxman o The Tossers introdujeron un híbrido de rock celtapunkreggaehardcore y otros elementos en la década de los noventa, que han llegado a ser populares entre la juventud estadounidense de origen irlandés.

El grupo de folk metalEluveitie.

Hoy en día hay subgéneros de influencia celta en prácticamente todo tipo de música, incluyendo electrónicarockmetalpunkhip hop,reggaenew agehouseskalatinaandina y pop. En conjunto, estas interpretaciones modernas de la música celta son a veces referidas como celtic fusión. Algunos ejemplos actuales son: Mithril (banda), que combina músicas y ritmos de diversas zonas del caribe y la región andina Colombiana con música celta, Afro-Celt Sound System, que mezclan música africana con música celta, Xera, que combina música celta y tradicional asturiana con música electrónica, y la banda argentina Celtic Underground, que fusiona música escocesa con música electrónica y pop.

Entre los distintos subgéneros se encuentra el denominado folk metal, resultante de la mezcla entre el heavy metal y la música celta, que ha tenido bastante éxito en los últimos años. Al igual que en el metal vikingo, la base del celta puede variar pero son habituales los que combinan los ritmos celtas con black metal o death metal. Algunos grupos de este metal celta son EluveitieCruachanAes DanaHeol TelwenBran BarrSkiltronElvenkingWaylanderSauromLándevir o Crystalmoors.

Otras adaptaciones modernas

Fuera de América, los primeros intentos deliberados para crear una música pan-céltica fueron hechos por el bretón Taldir Jaffrennou, que había traducido canciones de Irlanda, Escocia y Gales al bretón en el periodo entreguerras. Una de sus principales obras fue llevar Hen Wlad Fy Nhadau (el himno nacional de Gales) a Bretaña y crear letras de canciones en bretón. Con el tiempo, esta canción se convirtió en Bro Goz va zadoù, el más ampliamente aceptado himno bretón. En los años setenta, el bretón Alan Cochevelou (futuro Alan Stivell) comenzó a tocar un repertorio mixto de las principales naciones celtas con el arpa celta que creó su padre.5

La música moderna también puede ser denominada celta porque está escrita y grabada en una lengua celta, independientemente del estilo musical. Muchas de las lenguas celtas han experimentado un resurgimiento en los últimos años, impulsado en parte por la acción de los artistas y músicos que las han adoptado como sellos de identidad y distinción. En 1971, la banda irlandesa Skara Brae grabó su primer y único LP con todas sus canciones en gaélico irlandés. En 1978Runrig grabó un álbum en gaélico escocés. En 1992Capercaillie grabó A Prince Among Islands, el primer disco gaélico escocés en alcanzar el top 40 del Reino Unido. En 1996, una canción en bretón representó a Francia en elFestival de la Canción de Eurovisión 1996. Desde aproximadamente 2005Oi Polloi (de Escocia) han grabado en gaélico escocés. Mill a h-Uile Rud (una banda de punk de Seattle) grabaron en ese idioma en 2004.

Asimismo, varias bandas contemporáneas tienen canciones en lengua galesa como Ceredwen, que fusiona los instrumentos tradicionales con ritmos trip hop, los Super Furry Animals o Fernhill. El mismo fenómeno ocurre en Bretaña, donde muchos cantantes graban sus canciones en bretón, tradicional o moderno (hip hop, rap, etc.).

Música celta en España

Carlos Núñez durante un concierto en Lorient.

El grupo leonés Gandalf durante un concierto en Astorga en agosto de 2010.

En España es internacionalmente conocido el Festival de Ortigueira (La Coruña) como uno de los escaparates de los grupos españoles, así como el Festival Intercéltico de Avilés o el Folkomillas Festival en Comillas. Existen diversos grupos y autores que se adaptan más o menos a las definiciones originarias de lo que se entiende por música celta.

La mayoría de los grupos y solistas calificados como música celta cantan en gallego, pues la música celta forma parte del folclore tradicional de Galicia y Asturias. Así, de Galicia son Luar na LubreMilladoiroOs CempésCarlos NúñezBerrogüettoSusana Seivane,Cristina PatoXosé Manuel BudiñoMercedes Peón y Anxo Lorenzo, este último, fusionando estilos celtas con tendencias electrónicas, mientras que de José Ángel Hevia (precursor de la gaita electrónica), TejedorFelpeyuLlan de Cubel y Corquiéu son de Asturias. Asimismo, también encontramos grupos en otras zonas de España de “tradición celta” como LuétigaGarmaGatu MaluCahórnega,NahebaAtlántica y Cambera’l Cierzu en Cantabria o AntubelGandalfTsunieguOlwenMedulia y L´Arcu la Vieya en León.

Es también interesante destacar la existencia de grupos de folk fuera de las regiones más tradicionales, como O´Carolan en AragónHibai Deiedra y Kepa Junkera en País Vasco o Zamburiel en Madrid.

Otros grupos, como TriquelCeltas Cortos o Akelarre AgroCelta, así como más recientemente El sueño de Morfeo, exploran ciertas características de este estilo musical, aunque no por ello se puede afirmar que interpretan “música celta” de forma regular.

La música celta también tiene su hueco en el rock español. Uno de los primeros grupos españoles en fusionar las vertientes de la música celta con el Heavy metal fue Ñu. Más tarde también se encontrarían en este subgénero bandas como Lándevir o Saurom. Sin embargo, el grupo de mayor éxito ha sido Mägo de Oz con su fusión de rock heavy y sonidos celtas.

Música celta en Europa

The Chieftains actuando en Lorienten 2008.

En Europa destacan los grupos y solistas provenientes de algunas de las llamadas naciones celtas. Así, en Irlanda nos encontramos conThe ChieftainsDervishSolasLúnasaPlanxtyCeltic WomanThe High KingsThe DublinersTommy PeoplesLiz CarrolPatrick StreetThe Bothy Band. En Bretaña Wig A WagTri YannGwendalSoldat LouisStone Age o Sacrée Bordée. En Escocia, The Tannahill WeaversWolfstoneThe Corries o Alasdair Fracer, así como Filska, de las islas Shetland.

Aparte de esas zonas, a lo largo de los años han surgido grupos de inspiración celta en otros países como Anach Cuan y Glen of Guinessen SuizaOmnia en Países BajosTerrafolk en Eslovenia y Oubéret en Francia.

Música celta en América

La intérprete canadienseLoreena McKennitt.

Existe un dinámico crecimiento de este género en América, incluyendo la danza y la investigación en áreas relativas a las sociedades celtas. La música celta en Hispanoamérica se resignifica, ya que recibe diversos aportes musicales propios de cada país donde se la interpreta.

En América del Norte tiene una destacada presencia debido a la inmigración europea, principalmente de irlandeses, surgiendo artistas como Loreena McKennitt o Michael Flatley, y celebrándose festivales como Celtic Colours, que tiene lugar en la isla de Cabo Bretón.

En México destacan bandas y solistas como A Campo TraviesaAn BodhránOntofoníaThe TriskellsShamrockOgham Ensemble, la Banda de Gaitas del Batallón de San Patricio y la arpistaCynthia Valenzuela. En Costa Rica están los grupos Peregrino GrisSEISIÚN Norman’s Faggot Band. En Colombia destacan grupos como Perceval, primer grupo de la capital de ese país en publicar un trabajo discográfico de este género; Mithril (banda)OgmiosEspíritu CeltaSé DublínLos Bosques y La Montaña Gris, único grupo hispanoamericano que hizo dos giras continentales para promocionar sus trabajos discográficos.

En Venezuela sobresale Gaêlica, en Uruguay destacan intérpretes como Lorena LoresLos CasálGriannano la Southern Cross Pipe Band, mientras que en Chile encontramos bandas como BreogánBanda Celta DanzanteRiveira(La cual realiza por primera vez en este país la fusión del folk celta con el rock acústico),KeltoibandMándragoTa FechuLa EringoDanaAndes CeltaFinisterraGwyddyon, además de la disuelta Banda Celtamericana, que fue la primera agrupación chilena de este tipo en realizar una gira al Reino Unido e Irlanda en 2007.

Por último, Argentina recibió inmigrantes de toda Europa: gallegos, asturianos, irlandeses, galeses y escoceses, por lo que sus descendientes recrean sus melodías, algunas tradicionales y otras de composición original, pero siempre con reminiscencias célticas. Entre los artistas más destacados están Sete NetosGustavo FuentesXeito NovoGaelOs FurafoesKellsArweenNa FiannaCalathXoldraFillos do Vento y Celtic Underground.